Artistes et marchés

Avec la Renaissance, deux mouvements se développent en Europe : les œuvres d'art s'émancipent de plus en plus de toute préoccupation religieuse ou politique ; les marchés prennent en charge les activités de la société. Les artistes, qui vivaient souvent de commandes et de gratifications, doivent désormais s'inscrire dans un environnement dominé par les lois de l'économie marchande et les attentes d'un public élargi. Aujourd'hui, il en résulte des situations contrastées, allant du starving artist (l'artiste bohème) à la superstar. Les sommes parfois astronomiques atteintes sur les marchés de l'art, du patrimoine, du spectacle vivant et des industries culturelles ne masquent ni la fragilité ni la sous-rémunération de la grande majorité des artistes. Là où le marché devrait servir de levier de promotion, il est souvent vécu comme une fatalité. Certains observateurs se sont alors demandés si les artistes ne pouvaient pas trouver de nouvelles sources de revenus en mettant leur art au service d'autres valeurs : une créativité économique enrichie, une intégration sociale améliorée, des territoires plus attractifs. Ces nouveaux marchés sont pourtant loin d'améliorer la condition des artistes, alors soumis à des donneurs d'ordre pour qui la culture n'est qu'un instrument parmi d'autres. Entre un art pour l'art qui entend ignorer le marché et un art en tout qui accepterait de s'y diluer, les risques sont nombreux et les démarches chaotiques. Invention de l'art et fatalité de la condition des artistes semblent toujours aller de pair, à moins qu'Internet et la révolution numérique n'offrent une nouvelle renaissance à leur créativité.